Словари

выборка		описание
СКРИПИЧНЫЙ КЛЮЧ		- см. Ключ.... узнать больше
БАСОВЫЙ КЛЮЧ		- см. Ключ.... узнать больше
КЛЮЧ		Много разных значений имеет это слово. Ключ - родник с чистой, свежей и прохладной ключевой водой. Ключ от замка, которым запирают квартиру, ворота или чемодан. Гаечный ключ, без которого не починить велосипеда, не исправить системы водяного отопления. Наконец, самый интересный ключ - ключ к шифру, при помощи которого можно прочесть таинственное послание. Вот это последнее значение слова ключ больше всего напоминает его музыкальный смысл. В самом деле: чтобы прочесть какие-то ноты, ключ совершенно необходим, иначе запись их окажется зашифрованной. Несмотря на простоту мелодии, ни один музыкант не сможет воспроизвести ее, пока в начале нотных линеек (они называются "нотный стан" или "нотоносец"), на которых расположились ноты, не будет поставлен какой-то ключ. Ведь какие именно здесь написаны ноты, неизвестно! Видно только, как они соотносятся между собой (и то приблизительно: мы можем лишь догадываться, где интервалы между звуками большие, а где малые), да определен их ритм. А теперь поставим скрипичный ключ. Сразу все стало ясно (конечно, для того, кто знает ноты). Правда? А если мы поставим басовый ключ, выйдут другие ноты, другая октава, другая тональность и даже другой лад. Так что же такое ключ? Это знак, который всегда ставится в начале нотного стана и указывает положение на нем одной из нот, а в зависимости от нее и всех остальных. В далеком прошлом ключей применялось очень много, и наиболее распространены были ключи, определяющие положение ноты до первой октавы. Зачем было нужно много ключей? Судите сами: на пяти линейках нотного стана и между ними можно удобно записать всего одиннадцать звуков. В музыке же применяется гораздо больше. Для остальных нужно приписывать дополнительные линейки, а это очень загромождает запись и затрудняет чтение. Выход, конечно, нашелся. Наиболее распространена в те далекие времена была вокальная музыка. Но ведь диапазон человеческого голоса довольно ограничен. Значит, каждому исполнителю можно удобно записать его партию, если расположить ее соответствующим образом. Например, сопрано - это высокий голос. Поет он, в основном, в первой, а часто и во второй октаве. Баритон, наоборот, звучит вниз от определяющей ноты до. Поэтому ключ до для сопрано и баритона располагается не одинаково. Сопрановый - на первой линейке, чтобы можно было записывать ноты вверх, баритоновый напротив, на пятой: его партия, записанная на тех же пяти линейках, читается значительно ниже. А между ними, соответственно на второй, третьей и четвертой линейках помещаются меццо-сопрановый, альтовый и теноровый ключи. Завитушка в середине знака каждый раз определяет положение ноты до первой октавы. Конечно, этими ключами пользовались не только певцы. Они были удобны и некоторым инструментам. Так, до сих пор сочинения для альта и его партия в оркестровых партитурах записывается в альтовом ключе. Применяется иногда и теноровый ключ. Но постепенно с развитием и все более широким распространением инструментальной музыки оказалось, что все эти ключи еще не дают достаточно удобной записи, не охватывают крайних регистров. Тогда появились другие ключи, определяющие положение ноты соль первой октавы и фа малой октавы. Из нескольких таких ключей со временем в музыкальной практике остались только басовый и скрипичный. Они удобны тем, что как бы "сцеплены" между собой нотой до первой октавы, которая оказалась расположенной на первой нижней добавочной в скрипичном ключе и на первой верхней добавочной - в басовом. Вместе эти ключи дают возможность записать практически весь используемый звукоряд и поэтому стали универсальными. Остается сказать только, как появились такие значки. Это очень сильно изменившиеся в течение времени латинские буквы С (то есть до), G (соль) и F (фа).... узнать больше
НОТА		Кажется, с этим словом все очень просто: нота - значит... А вот если задуматься, не так уж просто! Вы держите в руках маленькую книжечку. На ней написано: блокнот. Кстати, раньше это слово писали по-другому, вот так: блок-нот! Вы включаете радио и слышите: "Нота советского правительства..." А на улице, на одном из магазинов, видите вывеску: "Ноты". Каждый раз значение этого слова иное. По-латыни nota означает знак, заметка. Поэтому блокнот - книжечка (блок листов) для заметок. А в музыке нотами называют знаки, при помощи которых изображаются звуки. Различные значки, по-разному расположенные, передают длительность и высоту звука (о длительности и высоте вы можете прочесть в соответствующих рассказах). Длинные ноты - целые - изображаются кружками - которые называются головками. У половинной ноты к головке присоединен штиль - вертикальная палочка. Четвертная нота выглядит так же, как половинная, только головка ее не белая, а черная. Более мелкие длительности обозначаются присоединением к штилю вязок или ребер или флажков, которые иногда называют попросту хвостиками. Высота звука определяется положением ноты на нотном стане. Нотный стан или нотоносец - это пять длинных горизонтальных линеек, на которых и между которыми располагаются ноты. Счет линейкам ведется снизу вверх. Они помогают определить, какая из нот обозначает звук более высокий, какая более низкий. При взгляде на нотный стан вы сразу видите рисунок мелодии. Однако для того, чтобы знать точно, какие именно звуки записаны, нужно посмотреть, какой ключ стоит в начале нотоносца, какие около него проставлены знаки альтерации. И о ключах и об альтерации вам нужно прочесть на посвященных этим терминам страничках.... узнать больше
ПРОГРАММНАЯ МУЗЫКА		Как вы думаете, чем отличается фортепианный концерт Чайковского от его же симфонической фантазии "Франческа да Римини"? Конечно, вы скажете, что в концерте солирует фортепиано, а в фантазии его нет вовсе. Может быть, вы уже знаете, что концерт - произведение многочастное, как говорят музыканты - циклическое, а в фантазии всего одна часть. Но сейчас нас интересует не это. Вы слушаете фортепианный или скрипичный концерт, симфонию Моцарта или сонату Бетховена. Наслаждаясь прекрасной музыкой, вы можете следить за ее развитием, за тем, как сменяют одна другую разные музыкальные темы, как они изменяются, разрабатываются. А можете и воспроизводить в своем воображении какие-то картины, образы, которые вызывает звучащая музыка. При этом ваши фантазии наверняка будут отличаться от того, что представляет себе другой человек, слушающий музыку вместе с вами. Конечно, не бывает так, чтобы вам в звуках музыки почудился шум битвы, а кому-то другому - ласковая колыбельная. Но бурная, грозная музыка может вызвать ассоциации и с разгулом стихии, и с бурей чувств в душе человека, и с грозным гулом сражения... А во "Франческе да Римини" Чайковский самим названием указал точно, что именно рисует его музыка: один из эпизодов "Божественной комедии" Данте. В этом эпизоде рассказывается, как среди адских вихрей, в преисподней, мечутся души грешников. Данте, который спустился в ад, сопровождаемый тенью древнеримского поэта Вергилия, встречает среди этих несомых вихрем душ прекрасную Франческу, которая рассказывает ему печальную историю своейнесчастной любви. Музыка крайних разделов фантазии Чайковского рисует адские вихри, средний раздел произведения - горестный рассказ Франчески. Существует много музыкальных произведений, в которых композитор в той или иной форме разъясняет слушателям их содержание. Так, свою первую симфонию Чайковский назвал "Зимние грезы". Первой ее части он предпослал заголовок "Грезы зимней дорогой", а второй - "Угрюмый край, туманный край". Берлиоз, кроме подзаголовка "Эпизод из жизни артиста", который он дал своей Фантастической симфонии, еще очень подробно изложил содержание каждой из ее пяти частей. Это изложение по характеру напоминает романтическую новеллу. И "Франческа да Римини", и симфония "Зимние грезы" Чайковского, и Фантастическая симфония Берлиоза - примеры так называемой программной музыки. Вы, наверное, уже поняли, что программной музыкой называется такая инструментальная музыка, в основе которой лежит "программа", то есть какой-то совершенно конкретный сюжет или образ. Программы бывают различными по своему типу. Иногда композитор подробно пересказывает содержание каждого эпизода своего произведения. Так, например, сделал Римский-Корсаков в своей симфонической картине "Садко" или Лядов в "Кикиморе". Бывает, что, обращаясь к широко известным литературным произведениям, композитор считает достаточным лишь указать этот литературный источник: имеется в виду, что все слушатели хорошо его знают. Так сделано в "Фауст-симфонии" Листа, в "Ромео и Джульетте" Чайковского и многих других произведениях. Встречается в музыке и программность иного типа, так называемая картинная, когда сюжетная канва отсутствует, а музыка рисует один какой-то образ, картину или пейзаж. Таковы симфонические эскизы Дебюсси "Море". Их три: "От зари до полудня на море", "Игра волн", "Разговор ветра с морем". А "Картинки с выставки" Мусоргского потому так и называются, что в них композитор передал свое впечатление от некоторых картин художника Гартмана. Если вы еще не слышали этой музыки, постарайтесь непременно познакомиться с ней. Среди картинок, вдохновивших композитора, - "Гном", "Старый замок", "Балет невылупившихся птенцов", "Избушка на курьих ножках", "Богатырские ворота в древнем Киеве" и другие характерные и талантливые зарисовки.... узнать больше
ВЫСОТА ЗВУКА		Если малыша, - конечно такого, который слышал раньше, как играют на рояле, видел вблизи клавиши, - попросить изобразить на инструменте птичку, то он начнет быстро перебирать клавиши на правой стороне клавиатуры, чтобы получить высокие звуки. Если же ему нужно показать рев медведя, он подвинется влево и станет нажимать самые низкие, басовые клавиши. Вот мы и назвали уже слова низкие, высокие, характеризующие одно из основных свойств звука. Свойство это - высота. На рояле особенно хорошо в ней разбираться: очень наглядно. Нажмите клавиши слева, то есть "внизу". Нижними нотами условились называть самые "густые" звуки, что ли- Они - словно фундамент звучания, на котором возводится все музыкальное здание. Продвигайтесь постепенно вправо или, как привыкли говорить музыканты, "вверх" по клавиатуре. Действительно, возникает ощущение подъема, восхождения, просветления. Вот вы и услышали нижние и верхние звуки, услышали разницу между ними. А теперь откройте крышку рояля. Вы увидите, что струны в нем не одинаковы. Вы, конечно, заметили, что у рояля своеобразная форма, похожая на крыло. В соответствии с этой формой расположены его струны - слева длинные, чем дальше вправо, тем короче. Кроме того, те из струн, которые соответствуют нижним звукам - толстые, обвитые так называемой канителью, а верхние - тонкие. От длины и толщины струны и зависит высота звука, который на ней можно извлечь. Если попробовать сформулировать более общее правило, - то высота звука это результат частоты колебаний звучащего тела. А ведь частота и зависит от длины и толщины. Попробуйте натянуть нитку и дернуть ее пальцем: получится звук. А теперь сделайте то же с бечевкой. Услышали разницу? Высота звука - это его физическое свойство. Она поддастся измерению. Так, камертон (почитайте и о нем в этой книжке), издающий ноту ля первой октавы, дает четыреста сорок колебании в секунду. Вы, наверное, знаете, что человеческое ухо способно воспринять далеко не все звуковые колебания. Бывают звуки настолько высокие, что мы их не слышим, хотя некоторые животные их издают и, разумеется, воспринимают. Таким звукам соответствуют колебания свыше двадцати тысяч в секунду. Это уже область, называемая ультразвуком. Ультразвук используется в технике и медицине. Некоторые композиторы сейчас начали применять очень низкие звучания, практически тоже не воспринимаемые человеческим ухом как звуки. Они возникают при колебаниях менее шестнадцати в секунду. Вы спросите, зачем их применять, если они все равно не слышны? Дело в том, что эти очень низкие колебания - они называются инфразвуком, - хотя и не слышны, но все же воспринимаются нами. Они воздействуют на нервную систему, на психику, создавая ощущение беспокойства, страха. Только пользоваться ими нужно крайне осторожно, иначе они могут даже стать причиной несчастья. Высота звука записывается нотами на нотном стане. Для того, чтобы было удобно читать эти записи, изобретена система так называемых ключей. Об этом вы можете прочесть в рассказах "Нота" и "Ключ", найдя их в книжке далее, по алфавиту.... узнать больше
ФОРТЕПИАНО		Зайдите в нотный магазин. На витрине, на полках лежат ноты: сборники фортепианных пьес и этюдов, сочинения для голоса или какого-нибудь инструмента с фортепиано, фортепианные переложения оркестровых произведений... А скажите, задумывались ли вы когда-нибудь, что это, собственно, за инструмент - фортепиано, и почему оно занимает такое важное место в музыке? Конечно, вы знакомы с роялем. Его можно увидеть в концертных залах, во Дворце пионеров, в музыкальной школе. Его вы видите на экранах телевизоров. Он, большой и важный, стоит на почетном месте - на эстраде, а иногда, в торжественных случаях, у него поднимают крышку, и рояль становится похожим на огромную диковинную птицу, взмахнувшую крылом. Пианино вы, наверное, видели в школе или клубе, а возможно, оно есть у вас или у ваших знакомых. Пианино гораздо скромнее своего "знатного" родственника, занимает меньше места. Да и звук у него слабее, чем у рояля. И на пианино, и на рояле играют совершенно одинаково, притом одни и те же пьесы, на нотах которых написано: фортепианные. В чем же тут дело? Почему такое странное название? Чтобы ответить на эти вопросы, попробуем отправиться в путешествие в далекое прошлое. Очень-очень давно, в Древней Греции, еще во времена Пифагора, о котором каждый школьник знает по знаменитой теореме, существовал музыкальный инструмент, который называли монохордом (monos - по-гречески один, chorde - струна). Это был длинный и узкий деревянный ящик с натянутой сверху струной. От ящика, сделанного из специального дерева, зависели тембр и громкость звука. Струна плотно прикреплялась к ящику неподвижными подставками, а кроме них была еще одна - подвижная. Она передвигалась по струне, то укорачивая звучащую часть ее, то снова удлиняя и тем изменяя высоту звука. Постепенно к одной струне стали прибавляться другие. Играли на них, защипывая струны пальцами или особыми пластинками - плектрами (медиаторами), а иногда - ударяя по струне палочками, молоточками. Шли века, инструмент продолжал совершенствоваться. Ящичек стал прямоугольным, а на одной из его сторон разместилась клавиатура, то есть ряд клавиш (от латинского clavis - ключ). Теперь играющий нажимал на клавиши, а они приводили в движение так называемые тангенты - металлические пластинки. Тангенты касались струн, и те начинали звучать. Этот инструмент стал называться клавикордом (от латинского clavis и греческого chorde). Его должны были ставить на стол и играть стоя. Конечно, никто не считал этот инструмент пределом совершенства. Он возник, как считают ученые, в XII веке, и на протяжении целых пяти веков мастера разных стран старались его улучшить. Чтобы звук стал сильнее, решили на каждую клавишу ставить не одну, а несколько струн, увеличили размер ящика. Со временем у клавикорда стали делать несколько клавиатур. Они помещались одна над другой в виде лесенки. Каждой клавиатуре соответствовал определенный регистр инструмента. Звук клавикорда был очень нежным и певучим. Исполнитель по своему желанию мог играть громче или тише. Слегка покачивая клавишу, он тем самым раскачивал струну, вызывая своеобразное трепетание звука. Современники писали о клавикорде: "Он более пригоден для домашней и нежной музыки, нежели для эстрады или больших помещений". Он служит "...утешением в страданиях и другом, участвующим в веселии". Но был у клавикорда и существенный недостаток: несмотря на все усовершенствования, большой громкости звука так и не удалось добиться. Конечно, "утешал в страданиях" клавикорд только очень богатых людей. Ведь он был предметом роскоши, украшением гостиных и салонов. Поэтому клавикорды делали нарядными, красиво изукрашенными перламутром, черепахой, драгоценными породами дерева. В конце XVII века во Франции нижние клавиши (те, что в современных роялях делаются белыми) стали вытачивать из черного дерева, а верхние обкладывали слоновой костью. Говорят, это делалось для того, чтобы на темном фоне лучше выделялись изящные белые руки знатных дам-клавикордисток. Однако играть на такой клавиатуре было не очень удобно: темные клавиши сливались, границы между ними оказывались незаметными. И в XVIII веке расположение цветов на клавиатуре изменилось. Оно стало таким, какое мы видим и теперь у пианино и роялей. Клавикорд был не единственным клавишным инструментом. Одновременно с ним возник и развивался другой, похожий на него и в разных странах называвшийся по-разному: клавицимбал, чембало, вирджинал, клавесин. Последнее название, самое распространенное, в конце концов стало общим, собирательным для всех разновидностей этого инструмента. В отличие от клавикорда, струны клавесина были разной длины, и это определило характерную форму, которая потом перешла к роялю. Вначале это тоже был ящик, который ставили на стол. Позднее же инструмент встал на собственные ножки - изящные, точеные. Звук на клавесине извлекался не ударом, а щипком: клавиша приводила в движение упругие язычки (чаще всего их делали из птичьих перышек), которые зацепляли струну. Он был сильнее, чем у клавикорда, но не так выразителен и красив. Исполнитель не мог влиять на его качество, как при игре на клавикорде. С какой бы силой ни ударяли по клавишам, делали это резко или мягко, - ничего не менялось. Чтобы как-то разнообразить звучание, мастера придумывали различные приспособления. Так, делались инструменты с несколькими клавиатурами, отличавшимися друг от друга степенью громкости звука. Наконец, появилась педаль - рычаг, который нужно нажимать ногой. При ее помощи можно было внезапно ослабить звук. Клавесин был не только домашним инструментом. Он включался в различные ансамбли, даже в оркестр, где на нем исполняли партию сопровождения. За клавесином сидел дирижер. Левой рукой он играл аккорды, а правой руководил оркестром. Значительной была роль клавесина и как сольного инструмента. Пьесы для него писали многие композиторы XVII - XVIII веков: итальянские, французские, немецкие, английские. В истории музыки их называют клавесинистами. Наиболее известны французские клавесинисты - Куперен, Дакен, Рамо. Они писали танцы для клавесина, такие, как менуэт, гавот, ригодон, создавали своеобразные музыкальные портреты и картинки: "Жнецы", "Вязальщицы", "Флорентинка", "Цыганка", "Бабочки" и даже... "Курица". Эти изящные небольшие пьесы, обильно изукрашенные мелизмами (прочтите о них в этой книжке), были вполне в духе того времени, когда носили пудреные парики, платья со множеством бантиков и кружев. К этому "галантному стилю" очень подходил и тембр клавесина, напоминающий звук струнных щипковых инструментов, но более полный и богатый. Все музыкальные инструменты непрерывно совершенствовались. Продолжали поиски и клавирные мастера. И вот в 1711 году в итальянском городе Падуе клавесинный мастер Бартоломее Кристофори изобрел новый инструмент. Звук в нем извлекался деревянными молоточками с обитыми упругим материалом головками. Теперь исполнитель мог играть тише или громче - piano или forte. Отсюда и пошло название инструмента - пианофорте, а позднее - фортепиано. Название это сохранилось до нашего времени и является объединяющим для всех струнных клавишных инструментов. Первые фортепиано по звучанию были очень мало похожи на те великолепные инструменты, которые сейчас можно видеть в наших концертных залах. Механизм, служащий для удара по струнам, был в них еще весьма несовершенным, и вначале фортепиано не могло успешно соревноваться с признанным в то время королем музыкальных инструментов клавесином. На протяжении почти всего XVIII века композиторы продолжали писать музыку для старшего брата фортепиано. А тем временем новый инструмент улучшался. Усложнялось его устройство, изменялось расположение струн. У фортепиано молоточек при нажатии клавиши ударяет по струнам одинаковой длины и толщины. И вот со временем появилась педаль (сейчас ее называют левая педаль), которая сдвигает молоточки в сторону так, что они ударяют не по трем струнам, а по двум или одной, в зависимости от желания исполнителя. Это меняет тембр звука и его силу. Когда пианист нажимает клавишу, молоточек ударяет по струнам. От них отскакивает войлочная подушечка - глушитель (демпфер). Струны от удара дрожат - вибрируют - и возникает звук. Если бы глушитель не отходил от струн, то звук был бы глухим и коротким. А если бы глушителя не было вовсе, струны колебались бы гораздо дольше, чем нужно, и вместо музыки слышался бы сплошной гул. Так что глушитель - очень важная деталь инструмента. Отпустим клавишу - звук прекратился. Но не потому, что на место вернулся молоточек: он еще раньше отскочил от струны, чтобы не мешать ей колебаться. Теперь на место вернулся глушитель. Он плотно прижался к струне и заглушил звук. Еще одна педаль - правая, - появившаяся затем у фортепиано, стала отводить глушители от струн. Нажав ее, можно отпустить клавиши, но звук все равно будет тянуться долго-долго, пока не угаснет, так как педаль не позволит глушителям вернуться на место. Правая педаль позволила ввести в фортепианную музыку новые краски, новые интересные эффекты. На протяжении XIX века сложились два основных вида фортепиано: горизонтальный - рояль (по-французски royal - королевский) с корпусом в виде крыла и вертикальный - пианино (по-итальянски pianino - маленькое пиано). Рояль стал концертным инструментом. Он используется там, где нужна полная, мощная звучность. Пианино мы встречаем в тех местах, где нельзя поставить большой и громоздкий рояль, где можно обойтись меньшей силой звука. Очень многие композиторы XIX и XX века писали и пишут для фортепиано. Их привлекают его огромные, поистине безграничные возможности. Его диапазон включает в себя диапазоны почти всех остальных музыкальных инструментов. Сила звука может быть самой различной, от легчайшего пианиссимо до мощного фортиссимо. На фортепиано исполняют и певучие мелодии, и многозвучные аккорды, и виртуозные пассажи. Инструмент может звучать нежно, как флейта, а может, и как целый оркестр. Для фортепиано писали Бетховен, Шуберт, Шуман, Мендельсон, Шопен и Григ, Чайковский, Мусоргский, Балакирев, Рахманинов и Скрябин. Очень большую роль в раскрытии возможностей этого инструмента сыграл Лист, который не только сочинял фортепианные пьесы, но и перекладывал для рояля различные произведения, написанные для симфонического оркестра, вплоть до симфоний Бетховена. Лист хотел доказать, что рояль не уступает оркестру по своим выразительным, художественным возможностям. "Душой фортепиано" называли великого польского композитора Шопена. Почти все свои произведения он создал только для рояля. Много музыки для фортепиано написано советскими композиторами - Прокофьевым, Шостаковичем, Хачатуряном, Кабалевским и другими. Весь мир знает прославленных пианистов - от Листа и Шопена, которые были не только композиторами, но и выдающимися исполнителями на этом инструменте, до братьев Антона и Николая Рубинштейна. Огромной известностью и любовью слушателей пользуются Святослав Рихтер, Эмиль Гилельс, Артуро Бенедетти Микеланджели, Глен Гульд, Ван Клиберн, Элисо Вирсаладзе, Владимир Крайнев, Дмитрий Башкиров, Михаил Плетнев и др.... узнать больше