Словари

выборка		описание
МУЗЫКАЛЬНАЯ ФОРМА		Вы были на исполнении кантаты С. Прокофьева "Александр Невский". В симфоническом концерте вам довелось услышать испанские увертюры Глинки. Пианист исполнил сонаты Бетховена. А школьный хор к очередному пионерскому празднику разучивает новые песни. Зачем понадобилось такое перечисление? Здесь специально названы произведения очень разные - разные и по жанру (о нем вы могли прочитать выше), и по форме. Что же такое - форма в музыке? Музыкальной формой принято называть композицию, то есть особенности построения музыкального произведения: соотношение и способы развития музыкально-тематического материала, соотношение и чередование тональностей. Конечно, каждое музыкальное произведение обладает своими неповторимыми чертами. Но все же на протяжении нескольких веков развития европейской музыки сложились определенные закономерности, принципы, по которым строятся отдельные типы произведений. С одной из музыкальных форм вы все, без сомнения, очень хорошо знакомы. Это куплетная форма, в которой пишутся песни (ей посвящен рассказ о слове "куплет"). Сходна с ней ведущая от нее свое происхождение старинная форма рондо. Основаны они на двух (или - в рондо - нескольких) различных тематических материалах. Форма в таких случаях строится на сопоставлении, развитии, а иногда и столкновении этих часто контрастных, а порою даже конфликтных тем. Распространены в музыкальной практике также трехчастная и двухчастнаяформы. Трехчастная строится по схеме, которую принято изображать буквами так: АВА. Это означает, что начальный эпизод в конце, после контрастного ему среднего эпизода, повторяется. В этой форме пишутся средние части симфоний и сонат, части сюит, различные инструментальные пьесы, например, многие ноктюрны, прелюдии и мазурки Шопена, песни без слов Мендельсона, романсы русских и зарубежных композиторов. Двухчастная форма распространена меньше, так как имеет оттенок незавершенности, сопоставления, словно бы "без вывода", без итога. Схема ее: АВ. Существуют и музыкальные формы, основанные на одной только теме. Это, прежде всего, вариации, которые точнее можно назвать темой с вариациями (вариациям тоже посвящен отдельный рассказ в этой книжке). Кроме того, на одной теме построены многие формы полифонической музыки, такие как фуга, канон, инвенция, чакона и пассакалья. С ними вас знакомят рассказы "полифония", "фуга", "вариации". Встречается в музыке и так называемая свободная форма, то есть композиция, не связанная с установившимися типовыми музыкальными формами. Чаще всего композиторы обращаются к свободной форме при создании программных произведений (далее вы сможете прочесть, что такое программная музыка), а также при сочинении всевозможных фантазий и попурри на заимствованные темы. Правда, часто и в свободных формах присутствуют черты трехчастности - наиболее распространенной из всех музыкальных построений. Не случайно и самая сложная, высшая из всех музыкальных форм - сонатная - в основе своей также трехчастна. Ее главные разделы - экспозиция, разработка и реприза - образуют сложную трехчастность - симметричное и логически завершенное построение. Об этом вы прочтете в рассказе, посвященном сонате.... узнать больше
ФУГА		Этим словом, ведущим свое происхождение от латинского fuga - бег, бегство, побег - называется многоголосное полифоническое произведение, сочиненное по особым, весьма строгим законам. В основе фуги лежит, как правило, одна музыкальная тема - яркая, хорошо запоминающаяся. Тема эта звучит последовательно в разных голосах (об имитации - основном приеме строения фуги - вы можете прочесть в соответствующем рассказе). В зависимости от количества голосов фуга может быть трехголосной четырехголосной и т. д. Встречаются в музыкальной литературе фуги, написанные не на одну, а на две или даже три темы. Тогда они называются, соответственно, двойными и тройными. Фуга - это высшая, самая сложная форма полифонической музыки. Особенно часто обращался к фуге И. С. Бах. Как правило, фуга составляет миниатюрный цикл вместе с предшествующей ей прелюдией. Такие циклы, кроме Баха, писал и Шостакович. Иногда фугу предваряют и другие формы, например, фантазия, вариации или хорал. Фуга может быть не только самостоятельным произведением или частью цикла, но и частью или эпизодом крупного сочинения - симфонии, оратории, кантаты или реквиема. В симфонии чаще встречается не фуга в полном, законченном виде, а построение вроде фуги, содержащее в себе первые проведения темы и переходящее затем в музыку гомофонного склада. Такие построения носят название фугато. Маленькая фуга называется фугетта.... узнать больше
МУЗЫКАЛЬНАЯ ЛИТЕРАТУРА		Так обычно называют все музыкальные произведения в их совокупности: произведения, созданные различными композиторами в разных странах. Термин этот употребляется так же, как, например, "специальная литература", "справочная литература", "научная литература". Существует и другое значение этого термина: так называется предмет, вернее, учебная дисциплина, которую изучают в старших классах музыкальных школ и в музыкальных училищах. В программу музыкальной литературы входят биографии крупнейших композиторов, отечественных и зарубежных, знакомство с их творчеством, а также подробное изучение отдельных наиболее известных, наиболее важных сочинений.... узнать больше
ВАРИАЦИИ		Быть может, вам случалось когда-нибудь слышать фортепианную балладу Грига. Начинается она с мелодии суровой и скорбной, похожей на народную песню-думу. А потом эта мелодия появляется еще много раз, но каждый раз - в новом обличье: то как взволнованный монолог, то как эпическое сказание, то в виде причудливого скерцо, то в характере траурного шествия. Форма, в которой сочинил Григ свою балладу, называется вариации или, точнее, тема с вариациями. Латинское слово variatio означает изменение. В музыке вариациями называется такое произведение, в котором основная мелодия повторяется много раз, но в ином характере. Иногда меняется только ее сопровождение, но чаще - и она сама, ее ритм, темп, отдельные обороты. Форма вариаций родилась в XVI веке. Тогда возникли две разновидности полифонических вариаций - пассакалья и чакона. В пассакалье - произведении величественного характера, тема не меняется. Она все время мерно и величаво звучит в самом нижнем, басовом голосе, в то время как в верхних голосах появляются и развиваются новые самостоятельные мелодии. Пассакальи писали многие композиторы XVII и XVIII веков, в том числе И. С. Бах. В наше время к старинной форме пассакальи часто обращался Д. Д. Шостакович (например, в четвертой части Восьмой симфонии, третьей части Первого скрипичного концерта). Чакона похожа на пассакалью. Это тоже полифонические вариации. Но в чаконе тема, оставаясь неизменной, звучит не только в басу: она "путешествует" по разным голосам, появляясь то в верхних, то в средних, то в нижних. Широкой известностью пользуется Чакона Баха для скрипки соло. Играют ее и в переложении для фортепиано или органа. В XIX веке форма вариаций получает большое распространение. В так называемых строгих вариациях тема изменяется не очень сильно: усложняется аккомпанемент, в мелодии появляются новые звуки, украшающие ее основной контур. Однако на всем протяжении пьесы сохраняется близкий начальному характер. Музыкальный образ обогащается, но остается узнаваемым. В творчестве Р. Шумана и Ф. Листа, а позднее у С. В. Рахманинова, у многих современных композиторов тема в вариациях изменяется очень сильно. Такие вариации называются свободными. В них уже не один, а много разных, даже контрастных образов.... узнать больше
ДУХОВЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ		Так называются музыкальные инструменты, в которых звук возникает благодаря колебанию воздуха в полой трубке. Одни из них прямые и сравнительно короткие, как у кларнета, флейты или гобоя. Другие длинные, для удобства "свернутые", как у фагота, валторны, трубы. Одни изготовляются из дерева, другие - из металла. И форма инструментов, и материал, из которого они сделаны, имеют большое значение: они определяют характер, окраску звучания, то есть тембр. Особую роль играет материал: ведь звук у металла совсем иной, чем у дерева. Поэтому духовые инструменты делятся на две группы - деревянные и медные. Но все они имеют одно общее качество: в отличие от клавишных и струнных инструментов они одноголосны. Каждый инструмент может исполнить только одну мелодию. Поэтому в оркестре применяются обычно по два и более инструментов одного вида.... узнать больше
КАНОН		По-гречески канон значит правило, образец. В жизни нам довольно часто встречается это слово. Мы говорим: "По строгим канонам...". Или употребляем понятие канонический в смысле образцовый, подчиняющийся самым строгим правилам. В музыке значение этого термина значительно уже. Так называется многоголосная пьеса, в которой все голоса исполняют одну и ту же мелодию, но не вместе, а вступая поочередно, иногда от одного и того же звука, иногда - от разных. Собственно говоря, канон - это музыкальная пьеса или ее эпизод, построенный на непрерывно проводимой имитации. Пример такого эпизода - дуэт Ленского и Онегина в сцене дуэли в опере Чайковского "Евгений Онегин". Еще недавно неразлучные друзья, они стоят один против другого с пистолетами в руках. Мысли их одинаковы ("Враги! Давно ли друг от друга нас жажда крови отвела?"), поэтому мелодия одна и та же; но они уже не вместе, они противники - и поэтому их мелодии не совпадают по времени, звучат каждая сама по себе. Так тонко, психологически обоснованно использовал композитор старинную полифоническую форму. Особая разновидность канона - бесконечный канон. Мелодия в нем может повторяться сколько угодно раз, переходя от окончания вновь к началу.... узнать больше
ТРОМБОН		В 1840 году французский композитор Гектор Берлиоз написал симфонию, которую назвал "Траурно-триумфальной". Он посвятил ее памяти жертв французской революции 1830 года. Вторая часть симфонии - своеобразная музыкальная надгробная речь. Композитор поручил произнести ее тромбону. Почему же именно тромбон выбрал Берлиоз для скорбного и торжественного, патетического монолога? Возник тромбон в XV веке из трубы: ее сильно удлинили, сделали выдвигающуюся трубку-кулису. В зависимости от положения кулисы - более или менее вдвинутой - изменяется общая длина инструмента, изменяется длина колеблющегося внутри трубки столба воздуха, а следовательно и высота звука. Диапазон тромбона - от соль контроктавы до ре второй октавы. Тромбон занимает одно из почетных мест в группе медных духовых инструментов. У него очень сильный голос, легко пронизывающий звучание всего оркестра. А когда несколько тромбонов играют вместе, это придает музыке торжественность и блеск. Тембр тромбона в среднем и высоком регистрах светлый, мужественный, а на низких нотах мрачный, даже зловещий. Очень хорошо удаются тромбону героические, трагические мелодии. Он может звучать как ораторская речь, полная пафоса. Этим и воспользовался Берлиоз в Траурно-триумфальной симфонии. Нередко поручал тромбонам выразительные патетические монологи в своих симфониях австрийский композитор Густав Малер. Но все же чаще три тромбона и туба, объединенные в одну группу, играют аккорды, выполняя роль аккомпанемента.... узнать больше
КУПЛЕТ		Видели вы когда-нибудь, как идут солдаты? Сначала они молча печатают шаг под команду командира, а потом над строем взвивается звонкий голос, запевающий бодрую солдатскую песню. Он поет несколько строф, а потом все подхватывают ее дружным хором. То, что поет один - солист, - это запев песни. Обращали вы когда-нибудь внимание на то, как сложена песня? Особенно такая песня, которую можно петь многим вместе - на демонстрации, в походе или вечером у пионерского костра. Она словно делится на две части, которые потом несколько раз повторяются. Эти две части - запев или, иначе, куплет (французское слово couplet означает строфа) и припев, по-другому называемый рефреном (это слово тоже французское - refrain). В хоровых песнях часто запев исполняется одним только певцом, а хор подхватывает припев. Состоит песня не из одного, а как правило, из нескольких куплетов. Музыка в них обычно не меняется или изменяется очень немного, а вот слова каждый раз другие. Припев же всегда остается неизменным и по тексту, и по музыке. Вспомните любую пионерскую песню или какую-нибудь из тех, что вы поете, выступая летом в поход, и проверьте сами, как она построена. Форма, в которой пишется подавляющее большинство песен, называется поэтому куплетной формой.... узнать больше
РОНДО		Одна из любимых пьес скрипичного репертуара - "Интродукция и Рондо-каприччиозо" Сен-Санса. У Бетховена есть шуточное фортепианное рондо с программным названием "Ярость по поводу потерянного гроша". Пьесы Кабалевского для фортепиано "Рондо-песню", "Рондо-танец" и "Рондо-токкату" с удовольствием играют маленькие пианисты. Многие финалы симфоний написаны в форме рондо. Что же это такое - рондо - слово, которое может включаться в название произведения, а может только определять его форму? В этом вопросе уже заключена часть ответа: рондо - одна из давно закрепившихся, вошедших в практику музыкальных форм. Название этой формы пришло из средневековой Франции. Там рондами (от лов rondeau - круг и ronde - хоровод) назывались хороводные песни. Исполнялась ронда так: солисты-запевалы пели свою мелодию на разные строфы текста, а хор повторял припев, в котором не менялись ни слова, ни музыка. Вот от этих хороводов и ведет свое начало рондо - особая форма построения музыкального произведения. Начинается рондо с главной темы, которую называют рефреном (ее можно сравнить с припевом песни). На протяжении рондо этот припев возвращается не менее трех раз, чередуясь с другими музыкальными эпизодами. В форме рондо написано много инструментальных пьес в народном духе, бодрых и оживленных.... узнать больше
СОНАТА		Если сравнивать сонату с литературным жанром, то больше всего подойдет сравнение с романом или повестью. Подобно им, соната делится на несколько "глав" - частей. Обычно их три или четыре. Подобно роману или повести соната населена различными "героями": музыкальными темами. Темы эти не просто следуют одна за другой, а взаимодействуют, влияют друг на друга, а иногда и вступают в конфликт. Наибольшей напряженностью и остротой отличается первая часть сонаты. Поэтому в ней и сложилась своя, особая форма, которая называется сонатной. Развитие музыки, построенной в сонатной форме, можно сравнить с действием в драматической пьесе. Вначале композитор знакомит нас с основными действующими лицами - музыкальными темами. Это как бы завязка драмы. Затем действие развивается, обостряется, достигает вершины, после чего наступает развязка. Таким образом, сонатная форма состоит из трех разделов - завязки или экспозиции, в которой основные темы появляются (экспонируются) в разных тональностях, собственно действия - разработки - и итога - репризы. Каждому из них посвящен в этой книжке отдельный рассказ. Разработка - средний раздел сонатной формы - раздел наиболее конфликтный, наименее устойчивый. Темы, прозвучавшие впервые в экспозиции, показываются здесь с новых, неожиданных сторон. Они расчленяются на короткие мотивы, сталкиваются, переплетаются, видоизменяются, борются одна с другой. В конце разработки состояние неустойчивости, борьбы, достигает высшей точки - кульминации - и требует разрядки, успокоения. Их приносит реприза. Ей также посвящен отдельный рассказ. В репризе и происходит повторение того, что было в экспозиции, но с изменениями, вызванными событиями разработки. Все музыкальные темы сонаты в репризе появляются в одной, основной тональности. Иногда завершает первую часть сонаты кода. В ней проходят отрывки наиболее важных тем части, еще раз утверждается основная, "победившая" тональность. Вторая часть, в отличие от первой, сочинена, как правило, в медленном движении. Музыка передает неторопливое течение мысли, воспевает красоту чувств, рисует возвышенный пейзаж. Финал сонаты выдержан обычно в быстром, подчас даже стремительном движении. Это - итог, выводы из предшествующих частей: он может быть и оптимистическим, жизнеутверждающим, но иногда бывает и драматическим и даже трагедийным. Классический сонатный цикл сложился в одно время с симфонией, во второй половине XVIII века. Однако термин "соната" возник еще в XVI веке. Он произошел от итальянского слова sonare - звучать. Первоначально так называли любое инструментальное произведение в отличие от кантаты (cantare - петь). И лишь с возникновением нового жанра инструментальной музыки это название стало принадлежать только ему одному безраздельно. Сонаты писали и пишут многие композиторы, начиная с Корелли (XVII век) и до наших дней. Эпоху в инструментальном творчестве составили сонаты Д. Скарлатти, Гайдна, Моцарта, Бетховена, Шуберта, Шопена, Шумана. Замечательны по своим художественным достоинствам сонаты русских и советских композиторов: Рахманинова, Скрябина, Метнера, АН. Александрова, Мясковского, Прокофьева. Кроме сольных фортепианных сонат, существуют сонаты для большего числа инструментов: сонаты для скрипки или виолончели и фортепиано, инструментальные трио и квартеты - они, как правило, тоже являются по своей форме сонатами. Сонатой для сольного инструмента и оркестра можно назвать инструментальный концерт. Тем, кто начинает учиться музыке, приходится иметь дело не с сонатами, а с сонатинами. В дословном переводе слово "сонатина" означает "маленькая соната". Она меньше настоящей сонаты по размерам, а кроме того значительно легче технически, более проста по содержанию.... узнать больше
ЛЕЙТМОТИВ		Наверное, любому школьнику хоть один раз довелось слышать симфоническую сказку Прокофьева "Петя и волк" о том, как пионер Петя поймал волка. Помните, какие в ней действующие лица? Смешная, переваливающаяся с боку на бок Утка, веселая Птичка, ворчливый Дедушка, свирепый Волк... Всех их мы как будто видим - так ярко рисует музыка персонажей сказки. Больше того: в тексте, который читает актер, может ничего и не говориться, например, о птичке, которая вьется перед носом волка, а мы слышим, что она тут... Почему? Да потому, что звучит характеризующая ее музыка - быстрые пассажи маленькой флейты-пикколо. Петю композитор рисует красивой, распевной мелодией, похожей на пионерский марш, дедушку - басовитым ворчанием фагота, Волка - страшным завыванием валторн... Все персонажи музыкальной сказки Прокофьева охарактеризованы лейтмотивами. Лейтмотив - немецкое слово (Leitmotiv), означающее в переводе ведущий мотив. Так называется яркая, хорошо запоминающаяся музыкальная тема - чаще мелодия, но может быть и краткий, из нескольких звуков, мотив, и аккордовая последовательность, которая обрисовывает какой-то образ или драматическую ситуацию. Лейтмотивы применяются в больших музыкальных произведениях - операх, балетах, симфонических сочинениях, - и появляются неоднократно на их протяжении, иногда в измененном, но всегда узнаваемом виде. Очень любил использовать лейтмотивы немецкий композитор Рихард Вагнер. Особенно много их в его тетралогии "Кольцо нибелунга", где лейтмотивами характеризуются не только герои, но и их чувства, и даже отдельные предметы, как, например, заветный меч, золотое кольцо, символизирующее власть над миром, призывный рог юного героя Зигфрида. Применяли лейтмотив и русские композиторы. В опере "Снегурочка" Римский-Корсаков дает лейтмотивы и самой дочери Весны и Мороза, и красавице-Весне, и Лешему - олицетворению дикой, пугающей фантастической силы. В "Лебедином озере" Чайковского звучит лейтмотив лебедей. А помните оперу Глинки "Иван Сусанин"? Композитор характеризует поляков мелодиями и ритмами их национальных танцев - полонеза, краковяка, мазурки. Вдальнейшем, на протяжении следующих актов оперы, мазурка приобретает значение лейтмотива. Сначала, во втором акте, в замке короля Сигизмунда, она звучит торжественно и звонко. В следующем акте, в доме Сусанина, куда захватчики врываются, чтобы заставить старого крестьянина вести их на Москву, мелодия мазурки звучит воинственно и грозно. Наконец, в четвертом действии, в глухом лесу, в непроходимой чаще, куда завел поляков Сусанин, мазурка "сникла", потеряла свой блеск, свои самоуверенность и воинственность. В ней слышатся растерянность, беспокойство, бессильная злоба.... узнать больше
СИМФОНИЧЕСКАЯ ПОЭМА		Это понятие появилось в музыкальном искусстве в 1854 году: венгерский композитор Ференц Лист дал определение "симфоническая поэма" своему оркестровому сочинению "Тассо", первоначально задуманному как увертюра. Этим определением он хотел подчеркнуть, что "Тассо" - не просто программное музыкальное произведение. Чрезвычайно тесно связано оно с поэзией своим содержанием. В дальнейшем Лист написал еще двенадцать симфонических поэм. Самая известная среди них - "Прелюды". В основе ее стихотворение французского поэта-романтика Ламартина "Прелюды" (точнее "Прелюдии"), в котором вся жизнь человеческая рассматривается как ряд эпизодов - "прелюдий", ведущих к смерти. В творчестве Листа сложилась и форма, наиболее характерная для симфонической поэмы: свободная, но с явными чертами сонатно-симфонического цикла (см. рассказ о симфонии), если его исполнять без перерыва между частями. В разнохарактерных эпизодах симфонической поэмы есть сходство с основными разделами сонатной формы: главной и побочной партиями экспозиции, разработкой и репризой. А в то же время отдельные эпизоды поэмы могут восприниматься как части симфонии. После Листа многие композиторы обращались к созданному им жанру. У классика чешской музыки Бедржиха Сметаны есть цикл симфонических поэм, объединенный общим названием "Моя Родина". Очень любил этот жанр немецкий композитор Рихард Штраус. Широко известны его "Дон-Жуан", "Дон-Кихот", "Веселые проделки Тиля Уленшпигеля". Финский композитор Ян Сибелиус написал симфоническую поэму "Калевала", в основе которой, в качестве литературного источника, лежит финский народный эпос. Русские композиторы своим оркестровым сочинениям подобного типа предпочитали давать иные определения: увертюра-фантазия, симфоническая баллада, увертюра, симфоническая картина. Жанр симфонической картины, распространенный в русской музыке, имеет некоторые отличия. Его программность не связана с сюжетом, а рисует пейзаж, портрет, жанровую или батальную сцену. Всем, наверное, знакомы такие симфонические картины, как "Садко" Римского-Корсакова, "В Средней Азии" Бородина, "Баба-Яга", "Кикимора" и "Волшебное озеро" Лядова. Еще одна разновидность этого жанра - симфоническая фантазия - также любимая русскими композиторами, отличается большей свободой построения, часто - присутствием в программе фантастических элементов.... узнать больше
ВЫСОТА ЗВУКА		Если малыша, - конечно такого, который слышал раньше, как играют на рояле, видел вблизи клавиши, - попросить изобразить на инструменте птичку, то он начнет быстро перебирать клавиши на правой стороне клавиатуры, чтобы получить высокие звуки. Если же ему нужно показать рев медведя, он подвинется влево и станет нажимать самые низкие, басовые клавиши. Вот мы и назвали уже слова низкие, высокие, характеризующие одно из основных свойств звука. Свойство это - высота. На рояле особенно хорошо в ней разбираться: очень наглядно. Нажмите клавиши слева, то есть "внизу". Нижними нотами условились называть самые "густые" звуки, что ли- Они - словно фундамент звучания, на котором возводится все музыкальное здание. Продвигайтесь постепенно вправо или, как привыкли говорить музыканты, "вверх" по клавиатуре. Действительно, возникает ощущение подъема, восхождения, просветления. Вот вы и услышали нижние и верхние звуки, услышали разницу между ними. А теперь откройте крышку рояля. Вы увидите, что струны в нем не одинаковы. Вы, конечно, заметили, что у рояля своеобразная форма, похожая на крыло. В соответствии с этой формой расположены его струны - слева длинные, чем дальше вправо, тем короче. Кроме того, те из струн, которые соответствуют нижним звукам - толстые, обвитые так называемой канителью, а верхние - тонкие. От длины и толщины струны и зависит высота звука, который на ней можно извлечь. Если попробовать сформулировать более общее правило, - то высота звука это результат частоты колебаний звучащего тела. А ведь частота и зависит от длины и толщины. Попробуйте натянуть нитку и дернуть ее пальцем: получится звук. А теперь сделайте то же с бечевкой. Услышали разницу? Высота звука - это его физическое свойство. Она поддастся измерению. Так, камертон (почитайте и о нем в этой книжке), издающий ноту ля первой октавы, дает четыреста сорок колебании в секунду. Вы, наверное, знаете, что человеческое ухо способно воспринять далеко не все звуковые колебания. Бывают звуки настолько высокие, что мы их не слышим, хотя некоторые животные их издают и, разумеется, воспринимают. Таким звукам соответствуют колебания свыше двадцати тысяч в секунду. Это уже область, называемая ультразвуком. Ультразвук используется в технике и медицине. Некоторые композиторы сейчас начали применять очень низкие звучания, практически тоже не воспринимаемые человеческим ухом как звуки. Они возникают при колебаниях менее шестнадцати в секунду. Вы спросите, зачем их применять, если они все равно не слышны? Дело в том, что эти очень низкие колебания - они называются инфразвуком, - хотя и не слышны, но все же воспринимаются нами. Они воздействуют на нервную систему, на психику, создавая ощущение беспокойства, страха. Только пользоваться ими нужно крайне осторожно, иначе они могут даже стать причиной несчастья. Высота звука записывается нотами на нотном стане. Для того, чтобы было удобно читать эти записи, изобретена система так называемых ключей. Об этом вы можете прочесть в рассказах "Нота" и "Ключ", найдя их в книжке далее, по алфавиту.... узнать больше
ДЕТСКАЯ МУЗЫКАЛЬНАЯ ШКОЛА		Дом, где она находится, можно узнать издали, не читая вывески. Сколько разных музыкальных звуков несется из него! Неуверенные гаммы на скрипке и быстрые фортепианные пассажи; чистый, звонкий голос трубы и переливчатые арпеджио арфы. Слаженное звучание детского хора и монотонное повторение простенькой мелодии на рояле - это пишут музыкальный диктант... Детские музыкальные школы есть сейчас почти в каждом городе. Открыты они и во многих крупных колхозах и совхозах. В них обучаются тысячи ребят. Каждый, поступивший в музыкальную школу, учится играть на каком-нибудь инструменте - рояле, скрипке, виолончели, баяне. Во многих музыкальных школах есть классы арфы, духовых инструментов. Во многих школах открыты отделы народных инструментов: балалайки, домры, гитары. Кроме занятий на своем инструменте, каждый ученик посещает уроки сольфеджио - развития слуха, где пишут музыкальные диктанты, учатся узнавать на слух различные интервалы и аккорды, поют по нотам с листа и изучают основы важной музыкальной науки - элементарной теории музыки. Для всех предназначены и хор, петь в котором очень интересно и полезно для юного музыканта любой профессии, и уроки музыкальной литературы. На них педагог знакомит своих учеников с лучшими, наиболее выдающимися произведениями мировой музыкальной культуры, рассказывает об их особенностях, об истории их создания и, конечно, об их создателях - великих композиторах прошлого и современности. Очень интересна история открытия первой в нашей стране детской музыкальной школы. В 1918 году рабочие знаменитого Путиловского завода пришли к В. И. Ленину с просьбой организовать художественную студию для их детей: они хотели, чтобы дети рабочих могли осуществить завоеванное их отцами право на приобщение к искусству. Несмотря на тяжелое положение в стране, на множество важных и неотложных дел, Владимир Ильич нашел время заняться просьбой рабочих. Им выделили роскошный особняк на Рижском проспекте (сейчас это проспект Огородникова в Ленинграде). Из музыкального магазина на платформах, которые тащил по трамвайным рельсам маленький паровозик, в особняк привезли инструменты. Были приглашены лучшие педагоги Петрограда. Узнав об открытии Детской Художественной студии (так называлась она тогда), в нее хлынули дети рабочих. Занимались они увлеченно, старательно, и уже в июле 1920 года состоялся первый концерт учащихся. Детский духовой оркестр встречал Владимира Ильича Ленина, приехавшего на Второй конгресс Коминтерна. В 1937 году Студия была преобразована в Детскую музыкальную школу Ленинского района Ленинграда. А в 1961 году, в память об истории основания школы, ей было присвоено имя В. И. Ленина. Раньше, несколько десятков лет тому назад, музыкальных школ было довольно мало и почти все их выпускники избирали музыку своей профессией - поступали потом в музыкальные училища, где получали специальное среднее музыкальное образование (все музыкальные школы, как правило, с семи- или восьмилетним обучением). Сейчас музыкальных школ очень много. Стране не нужно столько профессиональных музыкантов, сколько их выходит каждый год из стен этих учебных заведений. Основная задача детских музыкальных школ (обычно их называют сокращенно ДМШ) - воспитывать культурных музыкантов-любителей, разносторонне развитых, музыкально-эстетически воспитанных юношей и девушек, будущих строителей коммунизма. Конечно, лучшие из выпускников ДМШ, юные музыканты, проявившие особенно яркие профессиональные данные, поступают в музыкальные училища, а потом и в консерватории, где получают высшее музыкальное образование. Однако в основном подготовкой профессиональных кадров занимаются специальные музыкальные школы, существующие при консерваториях. В них, в отличие от обычных музыкальных школ, кроме музыкальных дисциплин ученики проходят и полный курс общеобразовательных предметов в объеме десятилетки и получают среднее общее и музыкальное образование. После окончания школы они могут поступить в музыкальные вузы или в любые другие высшие учебные заведения.... узнать больше
СКРИПКА		Королева оркестра - скрипка - самый распространенный струнный смычковый инструмент. "Она в музыке является столь же необходимым инструментом, как в человеческом бытии хлеб насущный", говорили о ней музыканты еще в XVII веке. Скрипки делали во многих странах мира, но лучшие скрипичные мастера жили в Италии, в городе Кремоне. Скрипки, сделанные кремонскими мастерами XVI - XVIII веков Амати, Гварнери и Страдивари, до сих пор считаются непревзойденными. Свято хранили итальянцы секреты своего мастерства. Они умели делать звук скрипок особенно певучим и нежным, похожим на человеческий голос. Знаменитых итальянских скрипок сохранилось до нашего времени не так уж много, но все они - на строгом учете. Играют на них лучшие музыканты мира. Корпус скрипки очень изящен: с плавными закруглениями, тонкой "талией". На верхней деке красивые, в виде f вырезы, которые так и называются - эфы. И размер, и форма корпуса, и все мельчайшие его детали, даже качество лака, которым он покрыт, тщательно продуманы. Ведь все влияет на звук капризногоинструмента. К корпусу скрипки прикреплен гриф, который заканчивается завитком. Перед завитком в желобке отверстия, в которые вставлены колки. Они натягивают струны, с другой стороны плотно закрепленные у подгрифка. В середине корпуса, приблизительно между эфами, на двух ножках стоит подставка. Через нее проходят струны. Их четыре. Они носят название тех звуков, на которые настроены: ми, ля, ре и соль или басок, считая от самой высокой струны. Общий диапазон скрипки - от соль малой до соль четвертой октавы. Скрипач изменяет высоту звука, прижимая струну к грифу пальцами левой руки. Чтобы было удобно играть, он кладет скрипку на плечо и придерживает ее подбородком. В правой руке он держит смычок, которым водит по струнам. Смычок - это тоже важная деталь. От него во многом зависит характер звучания. Состоит смычок из трости или древка, на нижнем конце которого прикреплена колодочка. Она служит для натягивания волоса, который с другой стороны прикреплен к трости неподвижно. Если мы зацепим струну пальцем, а затем отпустим, звук быстро угаснет. Смычок же можно вести по струне непрерывно в течение долгого времени, и звук будет тянуться также непрерывно. Поэтому скрипка очень певуча. На ней можно исполнять длинные плавные мелодии, как иногда говорят, "на одном дыхании", то есть, не прерывая их паузами или цезурами. Говорят, что скрипка поет. И правда, звучание ее похоже на трепетный человеческий голос. Но она умеет не только петь. Есть много различных способов, так называемых штрихов, которые применяют при игре на скрипке. Можно играть не на одной, а на двух соседних струнах сразу. Тогда звучат две мелодии. Больше чем два звука одновременно извлечь нельзя, так как струны расположены не плоско, а на закругленной подставке. Однако скрипачи играют аккорды из трех и четырех нот особым приемом - арпеджиато, беря звуки не одновременно, а один за другим, быстро скользнув по струнам смычком. В оркестре скрипки - главные инструменты. Им поручают ответственные эпизоды. Вспомните, как часто в оркестровых пьесах слышится пение скрипок; иногда широкое и спокойное, иногда взволнованное, а порою и драматически напряженное. А в Польке-пиццикато братьев Иоганна и Иозефа Штраусов и некоторых других произведениях скрипки использованы совсем необычно: исполнители играют на них не смычком, а защипывая струны пальцами, как на щипковых инструментах. Этот прием называется пиццикато. Очень широкое распространение получила скрипка как сольный инструмент. Для нее созданы разнообразные произведения - от виртуозных этюдов Паганини до лирических пьес Прокофьева. Многими композиторами написаны концерты для скрипки с оркестром. Вы, наверное, слышали концерты Бетховена, Мендельсона, Брамса, Чайковского, Глазунова, Прокофьева, Шостаковича, Хачатуряна. История музыки знает имена прославленных скрипачей. Легендами окружено имя гениального Паганини. Его обвиняли в колдовстве, потому что в те времена, когда он жил - в первой половине XIX века, не верилось, что обыкновенный человек сам, без помощи волшебной силы, может так великолепно играть на скрипке.... узнать больше
Дальше >>>